La plasticità del sè: un incontro tra Silvia Celeste Calcagno ed il Museo Carlo Zauli

Nella mia vita, di artisti ne ho visti molti. Sono nato e cresciuto a casa di uno di essi ed ho conosciuto nell’infanzia e nell’adolescenza tutti gli amici e compagni di strada che mio padre frequentava, portandoli tutti a casa per un pranzo, una cena o una merenda con piadina o ciambelle. Poi ho conosciuto tutti quelli che ho avvicinato nel corso della mia carriera, prima intorno e poi dentro il vecchio laboratorio paterno trasformato in museo. In tutta questa esperienza mi è parso di capire che ci siano due modi di essere artisti. C’è chi guarda fuori di sè, trasformandosi in antenna ricettiva per il contesto sociale, antropologico, politico del proprio tempo e, di conseguenza, fornendone una personale sintesi estetica e formale; c’è chi invece parte sempre dalla propria identità, da quello scavo interiore, da quella ricerca che da millenni ci pone idealmente con la lanterna di Diogene in mano, a cercare incessantemente di far luce sull’oscura profondità di
noi stessi e del mistero esistenziale che ci accompagna dal primo all’ultimo giorno della nostra vita.
Una ricerca tra i bagliori che fendono l’oscurità che può portarci davanti ad una superficie riflettente, e porci di fronte alla nostra stessa immagine, al nostro doppio, ad un più nitido contorno dello stesso mistero e, partendo da esso, a territori più vasti, che portano lontanissimo da uno sterile solipsismo.
Da molto tempo seguo il lavoro e la ricerca di Silvia Celeste Calcagno con un’attenzione ed un’ammirazione che pone le proprie radici a diversi livelli di profondità, tali e tanti sono i motivi di riflessione che la ricerca dell’artista ligure esercita su chi, come me, riflette sui piani di intersezione tra materiale ceramico e espressione artistica contemporanea, tra tecnica e spessore concettuale.
E proprio dalla ceramica ritengo che sia giusto partire, anche se tale aspetto non è il primo che a rigor di logica bisorrebbe affrontare parlando dell’artista ligure.
Al momento esatto in cui scrivo, nel luglio del duemilaediciotto, Silvia Celeste Calcagno è senz’altro un’artista di riferimento per chiunque osservi, studi o lavori con la ceramica nell’arte contemporanea. La centralità di tale ruolo è dovuta a due aspetti fondamentali che caratterizzano il suo lavoro, e che sono presenti ormai da qualche anno nella propria ricerca: un’utilizzo peculiarissimo ed assolutamente personale della tecnica e la nitidezza dei propri contenuti artistici, che vanno molto al di là di un contesto di genere che, appunto, contraddistingue la visione tecnica delle arti.
Come per alcuni altri maestri, infatti, l’opera di Calcagno esalta la materia pur travalicandola completamente e pur essendo arte senza nessuna necessità di giustificarne tale accezione con la straordinaria risultanza tecnica.
Come accade soltanto a pochissimi scultori ceramisti, infatti, la preziosità tecnica, che in ogni caso resterà agli annali della storia ceramica dei nostri giorni, è soltanto un abito all’interno del quale l’opera d’arte decide di manifestarsi e attraverso la quale l’artista esprime il proprio delicatissimo universo estetico che attraverso la materia ci conduce dentro quella caverna appena illuminata dalla lanterna dell’intuizione che è la ricerca del sè.
La ruvida materia, dunque, diviene elemento dialettico perfettamente funzionale, anche se apparentemente antitetico, alla fragilità e a quel sistema di sfumature che ruotano attorno e determinano il concetto di identità. La materia, la ruvidezza cromatica, l’essenzialità delle terre, la rigorosità del colore miracolosamente si fondono alle nuances identitarie, appunto, dell’artista e dei propri doppi che, come in un gioco di specchi, ci riportano sempre ai bagliori della nostra caverna primordiale ed al nostro primordiale mistero.
Questa incessante ricerca e la propria instancabile coerenza concettuale hanno portato Silvia Celeste Calcagno ad essere protagonista di questo workshop e di questa installazione tra le sale espositive e laboratoriali del Museo Carlo Zauli: due esperienze che l’artista ha, con diversi strumenti, intepretato con la tenacia ed il desiderio di non imitare se stessa, con la giusta ambizione di innescare un confronto tra l’opera di Zauli e la sua, tra gli ambienti e le proprie presenze iconografiche, ricorrendo con grande libertà espressiva ai diversi media che sono parte del suo lavoro, come ad esempio anche il video.
Un confronto portato su territori lontanissimi dal consueto e dal prevedibile, che spalanca scenari nuovi ed imprevisti anche sull’opera di Zauli, che Silvia Celeste tiene sempre al centro della scena, con la delicatezza di chi entra in una stanza in punta di piedi, con la fermezza di chi spinge tale dialogo su binari profondi, che occorre ritrovare -ammesso che sia necessario- affidandosi all’intuito selvaggio che spesso guida la comprensione dell’arte contemporanea.
Un esempio per tutti: nella sala anni 60, dominata dai grandi Vasi Bianchi e dalla Ruota Strappata, Silvia decide di intervenire con un suo lavoro site specific, Bless this house, un’installazione di molti monitor che raccontano per immagini il crollo di alcuni grandi palazzi. I video sono completamente virati al rosso, colore nascosto ma fondamentale nella composizione dello smalto bianco Zauli, perfezionato negli anni 60 ed assoluto protagonista della sala. Nei bianchi il rosso non è presente, perchè il selenio che ne dona il colore è soltanto una memoria di una temperatura, quella della maiolica, ampiamente superata dalla curva di cottura del grès. Resta soltanto una coloritura non uniforme e grigia, che dona il tipico effetto si superficie alle opere di Zauli.
Un passaggio cromatico nascosto, dunque, che ad uno sguardo attento ed approfondito lascia traccia di se ed al quale l’artista ligure si riallaccia quasi inconsapevolmente, ad intrecciare dialoghi intuitivi tra opere ed artisti che, pur appartenuti a tempi e contesti diversissimi ed apparentemente lontani, si muovono all’interno di quei rapporti dialettici che rappresentano lo scarto tra manufatto ed opera d’arte.

Matteo Zauli